Las 9 reglas de oro para conseguir un buen retrato.

Para bien o para mal, cuanto más avanzamos en el conocimiento de la técnica fotográfica y en equipamiento, más opciones se nos abren y más decisiones debemos de tomar. Las opciones a la hora de hacer un retrato son enormes. En algunas ocasiones la decisión final dependerá en parte del sujeto; si queremos enfatizar algún aspecto del mismo, si queremos aportar dramatismo o misterio, o si bien queremos aportar una imagen más seria y equilibrada. Si no tenemos restricciones, y queremos ser más creativos, las opciones serán más amplias y simplemente dependerán de nuestros gustos.

Hoy vamos a ver 9 aspectos que debes de tener en cuenta cada vez que vayas a hacer un retrato en estudio.

1.- Disposición de las luces / flashes.

La distribución de los flashes definirá las zonas de luz y de sombras sobre el rostro del sujeto y determinará el aspecto y la expresividad del retrato.

Existen muchos esquemas de iluminación, pero los 4 principales son los siguientes:

A.- Iluminación Rembrandt (Luz lateral a 45º del sujeto).

Es uno de los esquemas más utilizados y trata de imitar el estilo que imprimía a sus retratos el pintor holandés Rembrandt. Al colocar la fuente de luz a 45º del sujeto y ligeramente elevada, iluminaremos una parte del rostro (normalmente la parte dominante del mismo) mientras que arrojamos algo también de luz a la parte opuesta. Imprimimos así un aspecto interesante y clásico.

B.- Iluminación Broad Light (Luz y sujeto a 45º).

Es igual que el anterior solo que el sujeto también está orientado a 45º mirando hacia la fuente de luz.

C.- Iluminación Split Light (Luz lateral a 90º).

Al colocar la luz en un lateral iluminamos solamente una parte del rostro, teniendo un gran contraste entre la zona iluminada y la zona en sombra. Con este tipo de iluminación conseguimos un efecto muy dramático y suele utilizarse en situaciones en las que se quiere lograr un efecto de misterio o intriga. También se utiliza para atenuar una nariz prominente.

D.- Iluminación Butterfly (Luz frontal y cenital sobre el sujeto).

Este tipo de iluminación se utiliza mucho en retrato de modelos y lo popularizó la Paramount Pictures. Consiste en una luz frontal por encima del sujeto y otra cenital iluminando la barbilla y eliminando la sombra de los ojos. Es un tipo de iluminación que utilizan mayoritariamente las modelos femeninas pues acentúa los pómulos y estiliza el rostro.

2.- Ratio de iluminación.

Por ratio de iluminación nos referimos a la diferencia de intensidad lumínica entre las zonas de luz y las de sombra. Cuanto mayor sea este ratio, el retrato presentará un mayor contraste y el aspecto será más dramático. Cuanto menor sea el ratio, el retrato estará más iluminado y la sensación será de mayor frescura.

Ratio 1:1.

Ratio 1:2.

Ratio 1:3.

3.- Cualidad de la luz.

Otro aspecto que debemos de considerar es lo que se denomina una luz dura o una luz suave.

A.- Luz dura.

Una luz dura es la producida por una fuente de luz cuyo tamaño aparente (el tamaño que percibe el sujeto, no el tamaño real) es pequeño. Este tipo de luz produce un gran contraste entre las zonas de luz y de sombra, con una linea muy marcada entre ambas zonas. También sirve para realzar texturas.

Ejemplos de este tipo de luz son: el sol, una bombilla desnuda, el flash de la cámara.

B.- Luz blanda.

Una luz blanda es la producida por una fuente de luz con un tamaño aparente grande. Produce retratos de bajo contraste, no realza las texturas y produce una graduación entre las zonas de luz y las de sombra consiguiendo así unos retratos más suaves, menos dramáticos.

Ejemplos de luz suave son: las nubes en un cielo cubierto, paraguas y cajas de luz en un estudio de iluminación, reflectores, un flash rebotado contra el techo o una pared.

C.- Tonalidad de la luz.

Debemos de prestar también a la tonalidad de la fuente de luz. Dicha tonalidad puede ser fría o cálida. Normalmente la luz del flash presenta una tonalidad, o temperatura de color, mayor que la luz solar (>6000K, ligeramente azulada). Una fuente incandescente nos va a presentar una tonalidad cálida con tonos amarillentos o anaranjados, y una fuente de luz fluorescente nos va a generar una tonalidad fría con tonos azules o violetas.

Podemos corregir o acentuar estas tonalidades en estudio gracias al uso de geles de colores delante de nuestra fuente de luz.

4.- Longitud focal.

En nuestro equipo fotográfico seguramente contamos con varios objetivos o, por lo menos, con un objetivo zoom de diferentes longitudes focales. Dependiendo de qué longitud focal usemos, vamos a conseguir un efecto diferentes sobre el aspecto de nuestro sujeto, sobre la sensación de profundidad y distancia del fondo, y sobre la profundidad de campo.

Un gran angular, con una longitud focal baja, provocará distorsiones y hará que la cara del sujeto parezca como estirada. Hará también que abarquemos mucho más fondo y que la sensación de profundidad con los objetos en otros planos sea más grande.

Una longitud focal igual o superior a los 50mm no genera distorsiones, hacen que los fondos se difuminen a menor distancia y acortan la sensación de profundidad.

5.- Pose.

Tan importante o más que una buena iluminación es la pose del modelo. El saber moldear al modelo es lo que suele marcar la diferencia entre un buen fotógrafo y un aficionado.

Hay un par de reglas básicas:

.- Si se puede doblar, doblalo. No hay nada menos atractivo que un cuerpo con las extremidades estiradas y rígidas. Doblar el brazo, la cadera, el torso, etc, nos va a dar una imagen más dinámica y esbelta. No debemos, no obstante, forzar nunca la posición y buscaremos unas posturas naturales.

.- Lo que esté más cerca de la cámara se verá más grande, y lo que esté más lejos se verá más pequeño. Así, por ejemplo, si echamos las caderas hacía atrás se verán más delgadas.

Si combinamos estas dos reglas podremos moldear el cuerpo y podremos realzar nuestras virtudes y esconder un poco nuestros defectos.

6.- Orientar el rostro.

No todos los rostros lucen bien cuando miran de frente hacía la cámara. La mayoría de nosotros tenemos un lado más atractivo que el otro (nuestro lado dominante) y buscaremos el iluminar y girar dicho lado para que sea el que capta la cámara.

También podemos probar con un rostro totalmente girado 90º con respecto a la cámara. Si bien en los casos anteriores uno puede hacerse una idea de cuál es su lado más favorecedor al mirarse en un espejo, en este caso no hay manera de previsualizar por uno mismo el resultado y es el fotógrafo el que debe de ser capaz de darse cuenta de que puede ser un retrato atractivo.

7.- Expresión.

Es una labor importante del fotógrafo conseguir que el modelo se encuentre relajado. Para conseguirlo necesitaremos establecer contacto con el modelo, y esto se suele conseguir hablando, intercambiando anécdotas e incluso contando algún chiste. Así conseguiremos un ambiente más propicio e incluso arrancaremos alguna sonrisa natural al modelo.

El que el sujeto mire a la cámara o hacia la fuente de luz también cambia el resultado. Una mirada hacia la cámara implica una cercanía e intimidad que no encontramos si aleja su mirada de nosotros.

8.- Fondos.

Es una de las cosas que debemos de tener muy presentes cuando hacemos retratos en exteriores, ya que en interiores tenemos mucho más control y se suelen utilizar los fondos de color uniforme, generalmente blancos, grises o negros.

En exteriores debemos de prestar atención a todos los elementos distrayentes que podemos encontrarnos y que desviaran la atención de nuestro sujeto hacia otras zonas de la imagen. Debemos de tener presente elementos dentro de nuestro encuadre que compitan con el sujeto en cuestión de contraste, color, nitidez y brillo.

La mirada tiende a dirigirse hacia zonas que presentan un gran contraste, por eso solemos colocar a nuestro sujeto frente a un fondo claro. Los colores cálidos captan más la atención que los colores fríos. Las formas nítidas sobre las formas desenfocadas. Y las zonas brillantes sobre las oscuras.

También debemos de vigilar aquellos objetos que se encuentren directamente detrás de nuestro sujeto y cuya forma se solapa con las del sujeto y causa distracciones o un aspecto poco natural.

9.- Exposición y medición de la luz.

Una vez que tenemos controlados los aspectos más estéticos del retrato, es importante controlar los aspectos técnicos para conseguir una exposición correcta. Por termino general, nuestras sugerencias son las siguientes:

.- Modo de disparo en Manual: Dado que en estudio vamos a controlar toda la iluminación y la posición de nuestro modelo, el modo manual nos va a permitir obtener la exposición que deseamos y, una vez conseguida, no vamos a tener que modificarla durante el resto de la sesión a no ser que queramos conseguir otro aspecto diferente.

.- Modo de disparo sencillo: Cuando apretamos el disparador sólo se realizará un disparo.

.- Único punto de enfoque. De esta manera aseguraremos en qué punto exacto la cámara enfocará.

.- Modo de enfoque sencillo (AF-S). Esto nos permitirá enfocar y reencuadrar. Con un enfoque continuo la cámara estaría permanentemente enfocando y haría que cuando enfocáramos en un punto y reencuadraramos, el punto de enfoque variase.

.- Modo de medición puntual. Es importante que midamos la luz que llega al rostro del modelo, por eso es importante que midamos únicamente en esa zona sin dejarnos influenciar por la luz que llega al fondo o a otras partes de la escena.

.- Ajusta el Balance de Blancos. El modo automático del Balance de Blancos funciona bastante bien, pero es bueno adecuar el Balance al tipo de luz que utilicemos o a la situación en la que nos encontremos. Puede ser sombra si estamos en el exterior protegidos del sol, luz solar si tenemos un sol fuerte iluminando el sujeto, … y un ajuste de blancos personalizado si tenemos varias fuentes de luz.

.- Dispara en RAW.

Con estos ajustes no sólo estaremos optimizando la imagen de partida que obtenemos con nuestra cámara, también tendremos un fichero grande y de calidad para hacer un mejor revelado digital.

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